Críticas de discos

Cuando se publicó hace unas semanas la banda sonora de Tron Legacy, no dudé en manifestar una moderada decepción ante lo que Daft Punk (aparentemente) se habían visto obligados a presentar debido a las exigencias de clasicismo de la Disney. No es que sonara mal la cosa, sino que en ella se percibía muy poco de la personalidad musical de los franceses. No obstante, preferí esperar hasta haber visto la película para realizar esta crítica, pues lógicamente es la única forma de valorar como es debido una obra así.

E hice bien en esperar, porque sin duda alguna el apartado sonoro es de lo que más brilla en la película Joseph Kosinski. Eso y los trajes de los protagonistas. No voy a entrar a analizar la cinta en profundidad porque esto no es Blogdecine, pero no puedo resistirme a decir que ésta me gustó sin más. La secuela cumple aproximadamente con lo que esperaba de ella, entreteniendo a pesar de ciertas faltas de ritmo especialmente en su segunda mitad que se hacen un poco tediosas (más o menos como le ocurría a la primera).

El quinteto de Savannah (Georgia) llevan diez años dentro del metal alternativo incluyendo en su menú la herencia de bandas como Black Flag, Pink Floyd, Black Sabbath o Neurosis, dando como fruto cinco discos bien distintos entre sí.

A diferencia de Static Tensions, que era todo arrebato, en esta ocasión Spiral Shadow muestra luz entre la oscuridad, melodía entre la furia, es más complejo y también ofrece muchas caras de un poliedro musical variadísimo, el más variado de su carrera.

Soy consciente de que últimamente estoy hablando de algunos discos que no son de estricta actualidad, que han sido editados hace meses, y que ni siquiera tengo una buena excusa entre menos para hablar de ellos ahora (no hay una gira española de dichos grupos en estos momentos, por ejemplo). Pero para no arrastrar remordimientos, para ayudaros en vuestras porras de lo mejor del año y para cubrir discos de los que el resto de hipersónicos no os han hablado durante este año, ya me encargo de recomendaros el debut de Surfer Blood, Astro Coast.

A decir verdad, sí que han hablado de ellos (los vieron en directo en el Primavera Sound), y sí que había excusa para hablar de ellos: el ciclo Heineken Music Selector los trajo por nuestro país a hacer un par de fechas, y su disco, que hasta entonces me había gustado pero no convencido del todo, empecé a verlo escucharlo con otros ojos oídos tras el concierto en el que los ví. La hermética producción de su LP no hacía justicia al grupo que había detrás.

Duffy parió uno de los mejores debuts de la pasada década entrando a formar parte de esa extraña pero exitosa corriente de cantautoras, si pueden denominarse así, de origen británico que recuperaron sonidos de los años cincuenta y sesenta y los incorporaron a su propio estilo con bastante acierto.

Rockferry arrasó entre crítica y público y colocó a la galesa con ‘Mercy’ por bandera entre una de las artistas más interesantes que habían surgido en 2008 – no para todos, eso sí -. Dos prudentes años después, Duffy ya tiene preparado su segundo disco, bajo el título de Endlessly. El segundo suele ser en la mayoría de los casos definitorio a la hora de evaluar si un artista seguirá adelante con su carrera o terminará estrellándose tras un par más de sencillos que no lleguen a ninguna parte. En el caso de esta chica, será difícil echarla abajo si sigue por la senda a la que está siendo fiel.

Cuando se cumplen 25 años de la publicación de Valley of Rain, Howe Gelb ha decidido tener varios momentos de sobreexposición mediática porque además de preparar las reediciones especiales de toda la discografía de Giant Sand, publicó en primavera el disco Alegrías, fruto de su conexión cordobesa con Fernando Vacas y Raimundo Amador, y ahora acaba de lanzar Blurry Blue Mountain, lo último de los “gusanos gigantes de arena”.

Considerado el padrino del country alternativo, Howe Gelb ha vuelto a reunir a sus músicos daneses y le ha salido de esas sesiones un disco más intimista, relajado y nostálgico. Un álbum de catorce temas en el que a su habitual trío Thoger T. Lund (contrabajo), Peter Dombernowsky (batería) y Anders Pedersen (slide guitar y steel), se le ha sumado Nikolaj Heyman (guitarra y Wurlitzer), encajando su formación jazzística como anillo al dedo.

Cuesta encontrar un grupo que con sólo dos discos hayan demostrado tal salto evolutivo como el que se han marcado Foals con este ‘Total Life Forever’. De acuerdo, el de The Horrors nos sorprendió a todos, pero al igual que Probertoj, creo que la mayor responsabilidad de este salto era de su productor. Y aunque en esta ocasión no puedo garantizar el grado de implicación de Luke Smith, ex-Clor, los de Oxford han demostrado que son los primeros de su clase.

Porque el pop británico de la pasada década ha estado lleno de hypes. Vale que de la primera mitad rescataríamos a los Libertines (cuidado con esta reunión, no vaya a ser que estropeen una bonita leyenda) y que, tras ellos, hubo grupos con cierta consistencia (Franz Ferdinand) y grandes bluffs (Bloc Party, Kaiser Chiefs). Y sí, Foals también tuvieron su dosis de hype, su correspondiente portada en NME, y ese aura de “next big thing” que con frecuencia, y casi sin filtros, conquista Europa desde Albion sin apenas resistencia.

El dúo mexicano ya ha publicado su nuevo disco, Tiempos de furia, un álbum que deja obsoleto a Memorias atrás, el doble álbum que publicó en 2008. Hocico son la conexión latina vía Alemania del denominado dark electro, electrónica oscura imbuida de industrial en su mayoría destinada a la pista de baile, aggrotech lo denominan los puristas.

Erik Aicrag, un vocalista que parece venido del mísmisimo averno, y Racso Agroyam, responsable de sintes y bases, unen su talento en este sexto álbum de estudio que reúne quizás el más feroz y agresivo EBM que Hocico hayan publicado hasta la fecha. Quienes no los conozcan y para situarlos circulan en una órbita próxima a la de Combichrist.

Siempre que un grupo se refunda, como ocurrió con Tindersticks en el 2008 y el lanzamiento de ‘The Hungry saw’, y lo hace con una buena acogida por parte de sus fans, el optimismo que inunda tanto al grupo como a sus fans es un buen motivo para continuar adelante, y el impulso de esa reconciliación (con los demás y consigo mismos) se percibe en este nuevo disco como una reafirmación en su habitual melancolía nocturna.

Quizá sea la falta de presiones externas las que le han facilitado alcanzar este buen momento, en el que se toman la libertad de, a la vez que la instrumentación es cada vez más sutil y menos recargada, las voces adquieren más protagonismo, no sólo la del siempre sugerente Stuart Staples, sino también la de unos coros que magnifican la grandilocuencia de tema(zo)s como ‘Harmony around my table’, o la acompañante de Mary Margaret O’Hara en ‘Peanuts’.

Ya hace mucho, muchísimo tiempo, que rock & roll auténtico es igual a Motörhead. Da igual que nos sigan ofreciendo discos con los mismos patrones, que tengan canciones que parece que ya ha publicado en entregas anteriores, no nos importa que su inmovilismo sea su santo y seña.

Porque son Motörhead, incombustibles desde 1975, corredores de fondo en una carrera que ni piensan ganar ni siquiera terminar, porque a Lemmy Kilmister ya le está llegando la fecha de su jubilación y permanece al pie del cañón como los más grandes. Ni siquiera ha habido rumores sobre su disolución, nunca se ha hablado de bajos estados de forma, ni tampoco nadie espera dejar de verlos en el circuito rockero internacional, al menos en el próximo lustro.