Green Day a marqué un arrêt exceptionnel au Bataclan et régalé 1 646 fans dans une ambiance incandescente avec de nombreux classiques et une poignée d’inédits.

9 décembre 1972 : Naissance de Tré Cool, batteur de Green Day

Habitué des énormes scènes et des prestations devant des dizaines de milliers de spectateurs, Green Day montre qu’après plus de 30 ans de carrière, il aime se poser des défis. Ainsi, le trio punk rock américain, transformé en sextet sur scène se produit au Bataclan, pour une date exceptionnelle qui fait écho avec sa venue au Trabendo en 2009. Si cette fois, le concert n’est pas gratuit, le public est remonté et prêt à en découdre pour plus d’une heure et demie de show.

Maîtrisant l’entrée en scène comme personne, Green Day débarque en enchaînant « American Idiot » et « Holiday ». La veille des 20 ans de l’album dont ils sont tirés, ces véritables standards sont indémodables et montrent la richesse de son répertoire. En effet, le groupe parcourt les différentes époques de sa carrière, en déterrant « Christie Road » de Kerplunk!, également représenté par le classique « Welcome to Paradise ». D’autres raretés sont au rendez-vous, comme « Stuart and the Ave. » ou « Warning », pour le plus grand plaisir des fans old school. Cela n’empêche pas Green Day de passer en revue tous ses classiques, des indispensables « Basket Case » et « Minority » à l’épique « Jesus of Suburbia », repris en chœur par un public conquis.

© David Wolff – Patrick

Bien entendu, les Américains n’oublient pas Saviors, leur album récemment annoncé. Ainsi le public peut découvrir sur scène « 1981 » et apprécier les singles récemment dévoilés « Look Ma, No Brains » et « The American Dream Is Killing Me« . Ces derniers sont curieusement joués deux fois au cours de la soirée, de manière consécutive pour le premier et d’un bout à l’autre du concert pour l’autre. De manière attendue, ils passent à merveille l’épreuve de la scène et les fans les connaissent déjà par cœur.

Dans cette ambiance intimiste rare, les personnes présentes sont conscientes de leur chance et participent activement à l’ambiance électrique du Bataclan. Reprenant à tue-tête les textes de Billie Joe Armstrong, sautillant comme jamais (même en gradins) et dansant fiévreusement pendant 1h40. A l’aise avec son public, le frontman s’autorise même à inviter un fan sur scène pour interpréter avec lui « Good Riddance (Time of Your Life) » à la guitare.

© David Wolff – Patrick

Loin des discours à rallonge, Green Day laisse la musique faire le travail, sans oublier de féliciter le public et de présenter les membres présents, qu’il s’agisse des permanents Mike Dirnt (basse) et Tré Cool (batterie), ou les membres supplémentaires Jason White et Kevin Preston aux guitares supplémentaires et Jason Freese aux claviers. Réglé au cordeau, le groupe interprète les 26 morceaux du set avec énergie et application, en sachant se montrer mobile.

Généreux et réjouissant, ce concert exceptionnel des Californiens prouve qu’ils gardent le cœur du live, loin des artifices et des foules gigantesques. Un événement qui augure du meilleur pour les dates à venir, en 2024. Un partagé par le chanteur, qui n’a pas dissimulé son enthousiasme de jouer au Bataclan.

© David Wolff – Patrick

Setlist :

1. American Idiot
2. Holiday
3. Look Ma, No Brains!
4. Look Ma, No Brains!
5. 1981
6. The American Dream Is Killing Me
7. Burnout
8. Longview
9. Welcome to Paradise
10. Geek Stink Breath
11. Stuart and the Ave.
12. Christie Road
13. Letterbomb
14. Boulevard of Broken Dreams
15. Brain Stew
16. St. Jimmy
17. Warning
18. Revolution Radio
19. She
20. Oh Love
21. Basket Case
22. Father of All…
23. Minority
24. Jesus of Suburbia
25. Good Riddance (Time of Your Life)
26. The American Dream Is Killing Me

Mathieu David

À l’occasion de son premier concert à Paris en tant qu’artiste solo, Corey Taylor a proposé un résumé de sa riche carrière.

8 décembre 1973 : Naissance de Corey Taylor

Affichant complet depuis plusieurs semaines, le Trianon est prêt à accueillir le premier concert français de Corey Taylor en solo. Après une première partie assurée par le jeune groupe de fusion new-yorkais Oxymorrons, il est temps pour le chanteur de Slipknot et Stone Sour de présenter son œuvre au public.

Force est de constater que sa voix, bien mise en avant dans le mix, est toujours intacte. Maîtrisant les nuances, allant de la rage d’un “Before I Forget” à la douceur de “Through Glass”. À l’aise avec son public, Corey Taylor se montre généreux en remerciements et en félicitations envers ses fans, venus en masse et bien décidés à faire trembler le sol du Trianon, et ce tout le long de la prestation. L’énergie est palpable et intense des deux côtés de la barrière.

Côté setlist, le chanteur tente de trouver l’équilibre entre titres solo et issus du répertoire de Stone Sour et de Slipknot. Si CMF2, son nouvel album, est dûment représenté, avec l’énergique “Post Traumatic Blues” et l’immédiat “Talk Sick”, le grand perdant reste CMFT, son premier album solo, dont “Black Eyes Blue” est l’unique titre joué. Une particularité qui ne réduit pas les ardeurs des fans, qui maintiennent la tension jusqu’à la reprise finale de Black Sabbath, “Fairies Wear Boots”, inattendue, mais étonnamment à propos.

Artiste accompli, Corey Taylor montre qu’il maîtrise toujours la scène comme personne. Rendez-vous au Hellfest et à l’Olympia en 2024 pour le revoir sous cette configuration.

Setlist :

1. Post Traumatic Blues
2. Tumult (Stone Sour)
3. Black Eyes Blue
4. We Are the Rest
5. Song #3 (Stone Sour)
6. Beyond
7. Before I Forget (Slipknot)
8. Thème de Bob L’Éponge
9. Snuff (Slipknot)
10. 30/30-150 (Stone Sour)
11. Talk Sick
12. Midnight
13. Through Glass (Stone Sour)
14. Duality (Slipknot)
15. Fairies Wear Boots (Black Sabbath)

Retrouvez ce live report sur Corey Taylor dans Rolling Stone l’Hebdo n°140, disponible via notre boutique en ligne.

Le roi du blues-rock Tom Waits fête aujourd’hui ses 74 ans. Autant d’années ou presque d’une carrière admirable, où le chanteur s’est essayé à la réalisation, est devenu acteur, a retrouvé son premier amour en retournant à l’écriture et la composition musicale

Sa voix rauque et ses compositions résolument blues ont fait sa réputation. Repris par les plus grands et notamment par Bruce Springsteen avec ‘Jersey Girl’, Tom Waits a su devenir une véritable référence dans son milieu.

Il traîne avec lui une réputation de chanteur sombre et mélancolique. Celle-ci s’est progressivement installée, dès le début de sa carrière. Certaines chansons comme ‘The Piano has been drinking’ vont lui laisser cette réputation à jamais et faire de sa belle voix sombre la signature d’un état d’esprit mélancolique.

De sa collaboration professionnelle avec Francis Ford Coppola, le monde retiendra la musique du film ‘Coup de Coeur’ mais aussi un jeu d’acteur pour le moins surprenant de la part d’un chanteur. Tom Waits fera ainsi des apparitions dans ‘Cotton Club’, ‘Dracula’ ou encore ‘Rusty James’. Coppola ne sera pas le seul réalisateur à s’offrir les services de Waits. Le chanteur ira aussi faire un tour du côté de Jim Jarmusch notamment, Wim Wenders ou le Monty Python Terry Gilliam.

Autant d’expériences enrichies par une discographie impressionnante, un talent évident et une voix à couper le souffle. Tom Waits côtoie également les plus grands noms du cinéma et de la musique. Outre les noms déjà cités, le chanteur aura collaboré avec Keith Richards, rencontré Neil Young et travaillé aux côtés de Colin Farrell et Christopher Walken.

‘Jersey Girl’ – 1980

‘Hold On’ – 1999

‘Shenandoah’ – 2013

A l’occasion des 55 ans de la sortie de Beggars Banquet, la rédaction vous propose de replonger dans les coulisses de ce disque historique de The Rolling Stones.

6 décembre 1968 : sortie de Beggars Banquet de The Rolling Stones

Au début de l’année 68, les Rolling Stones voient leur carrière sérieusement menacée, aussi se doivent-ils de réagir. Et le hasard jouera pour eux. Au mois de Mars, lors d’une séance à l’Olympic Studio de Londres, Bill Wyman joue un thème au clavier qu’il articule en riff : « Continue à le faire tourner, ne l’oublie pas » lui lance Mick et, en un éclair, naît « Jumpin’Jack Flash ». Selon Marianne Faithfull, les paroles poignantes de Mick (« J’ai été noyé, lavé et laissé pour mort/j’ai regardé mes pieds et j’ai vu qu’ils saignaient… J’ai été couronné avec un pic planté dans ma tête ») sont un moyen pour lui de canaliser et de libérer sa colère intérieure provoquée par le fait d’être observé, scruté et analysé à chaque fois qu’il met le nez dehors.

Sorti à la fin du mois de mai, « Jumpin’Jack Flash » des Rolling Stones est leur premier Top 3 en dix-huit mois. Mais avant de pouvoir profiter de leur succès, les Stones doivent attendre que Brian, à nouveau arrêté pour détention de drogue, soit enfin sorti de prison. Il est libéré sous caution alors que le groupe est déjà en train d’enregistrer leur nouvel album sous la houlette du producteur d’origine américaine Jimmy Miller – il était déjà aux manettes lors des séances de « Jumpin’Jack Flash ». Mick et Marianne emménagent dans une nouvelle maison à Chelsea Square et c’est leur décorateur, Christopher Gibbs, qui leur suggère le titre de ce nouvel album: Beggars Banquet. Parallèlement, le réalisateur franco-suisse de la Nouvelle Vague, Jean Luc Godard, approche Mick pour lui demander s’il lui était possible de filmer les Stones en studio. Alors que Brian est accaparé par son prochain procès et qu’il ne peut donc pas contribuer au nouvel opus, Miller et le groupe décident de recruter le pianiste Nicky Hopkins afin d’affiner le nouveau son du groupe. Sous l’œil des caméras de Godard, les Stones commencent à travailler sur une chanson écrite par Mick et dont le titre provisoire est « The Devil Is My Name » (« Le diable est mon nom »), inspiré par Le Maître et la Marguerite de l’écrivain russe Mikhaïl Boulgakov et dont Marianne lui avait conseillé la lecture. Mick reprend à son compte le passage où Satan est en visite à Moscou car il trouve fascinant le personnage du diable dépeint dans le livre. Il se pare des effets de ce Satan littéraire et racontera son histoire à la première personne.

Getty Images

À cette époque, un mysticisme sombre plane sur l’enregistrement de Beggars Banquet : alors que Mick avait à peine fini d’écrire le vers : « J’ai crié “Qui a tué John Kennedy” » le frère du président américain assassiné et homme politique Robert Kennedy est lui-même abattu lors d’un meeting en Californie. Le vers sera alors modifié en « Qui a tué les Kennedy? ». Mick écrira « Street Fighting Man », en s’inspirant des manifestations de Mai 68 à Paris. Le titre sort en single à l’été 1968, au moment même où débute le congrès national du Parti démocrate américain. Lorsque les jeunes manifestants commencent à s’affronter avec les forces de l’ordre, les émeutes enflamment la capitale de l’Illinois, rendant ainsi étrangement prophétique le vers « L’été est là et le moment est venu de se battre dans la rue ». Le single se voit rapidement interdit de diffusion à la radio, d’abord à Chicago puis dans d’autres villes américaines (puis partout dans le monde). Comme une sorte de prédestination, la controverse continue de marquer la vie du groupe. Ce même été, Mick et Keith décident d’utiliser des graffitis peints sur les murs de toilettes publiques de Los Angeles pour la pochette de Beggars Banquet. Decca Records, mortifié en voyant le résultat, signale au groupe que l’album ne sera pas publié pas tant que ce visuel ne sera pas changé. Estimant qu’ils faisaient gagner énormément d’argent à leur label depuis leur début, Mick et Keith se braquent, bien qu’ils n’aient pas le pouvoir de contester les décisions de Decca. Ils doivent capituler. La pochette offensante sera remplacée par un visuel plat sans aucun intérêt.

Entre le moment où les Stones terminent l’enregistrement de Beggars Banquet et sa sortie en Décembre 1968, Mick et Marianne traversent une épreuve épouvantable : la perte d’un enfant. Alors que son divorce avec John Dunbar n’est toujours pas prononcé, Marianne tombe enceinte et Mick, très heureux par la perspective de devenir père, espère que Marianne ira finalement jusqu’au bout de la procédure de divorce et pourra ainsi de l’épouser. Marianne, cependant, n’a pas vraiment le temps de gérer les aspects juridiques de la séparation. Elle travaille sur plusieurs projets de films, notamment le rôle-titre de La Jeune Fille sur une moto. Ce travail l’emmène loin de chez eux de longues périodes durant, ce qui ne manque pas de la fatiguer. En Novembre, souffrant d’anémie, elle tombe malade et, alors qu’elle est enceinte de sept mois, fait une fausse-couche. Cette petite fille qu’elle et Mick (qui espérait justement une fille) voulait d’ailleurs prénommer Corinna.

Getty Images

Moins d’un mois plus tard, Marianne apparaît avec Mick et les Stones, ainsi que les Who, Jethro Tull, Eric Clapton et John Lennon dans le Rock’n’Roll Circus, un spectacle d’une heure destiné à la télévision et que Mick voit comme un moyen pour le groupe de fêter la sortie de Beggars Banquet, salué à juste titre comme le retour triomphal des Stones. En outre, le spectacle peut générer des revenus, en diffusant le show dans différents pays notamment, en attendant que Brian puisse à nouveau obtenir un visa pour les Etats-Unis où ils doivent repartir en tournée. Ce spectacle est tourné dans un studio de Londres décoré à la manière d’un chapiteau de cirque avec Mick dans le rôle de Monsieur Loyal. Après deux jours de tournage épuisants, Mick regarde les rushes et, déçu par sa performance comme de celle du groupe, annule purement et simplement sa diffusion. (The Rock’n’Roll Circus sortira finalement en vidéo en 1996).

C’est durant cette période que Mick fait également ses débuts au cinéma en jouant un rôle de premier plan dans Performance, un film coécrit et réalisé par un ami peintre de Mick et Marianne, Donald Cannell, et un réalisateur en devenir, Nicholas Roeg. Mick joue le rôle de Turner, une rock-star décadente, vivant en reclus, chez qui un gangster en cavale (joué par James Fox) vient se cacher. Cependant, le rôle de la petite amie toxicomane de Turner échoit à Anita Pallenberg. Le film présente des scènes de sexe assez crues, y compris un trio avec Mick, Anita et une seconde femme. Mick et Anita auront même une liaison pendant le tournage du film, au désespoir de leurs conjoints respectifs, Marianne et Keith. A la fin du tournage, cependant, tout le monde regagnera ses pénates et la vie reprendra son cours normal. Telle était la vie des rock-stars dans les années 1960.

Getty Images

Belkacem Bahlouli

Revivez également les 60 ans de carrière de The Rolling Stones avec notre prochain hors-série consacré à Mick Jagger, disponible via notre boutique en ligne.

Le 28 juin 1975, Paul McCartney et Wings grimpaient au sommet des charts avec Venus and Mars. A cette occasion, voici notre guide ultime de ses plus grands hits post-Beatles, entre pépites psychédéliques, punk, folk, disco et pléthore de « silly love songs »

5 décembre 1973 : sortie de Band on the Run

1 – « Maybe I’m Amazed », McCartney, 1970

Paul McCartney a composé cette chanson d’amour toute simple sur son piano, dans sa demeure du 7 Cavendish Avenue dans le centre de Londres – où, au vu de l’avenir incertain des Beatles, il passait en revue plusieurs idées sur son nouvel enregistreur quatre pistes Struder. Tandis que plusieurs des titres phares de son premier album solo (« Junk », « Teddy Boy ») avaient été enregistrés des mois voire des années plus tôt en vu d’une potentielle utilisation par les Beatles, ce morceau était totalement nouveau. Il reflétait à la fois le sentiment de perdition qui hantait McCartney alors que son groupe, l’œuvre de sa vie, se décomposait et l’importance que le soutien de son épouse Linda avait pour lui.

« Maybe I’m Amazed » étant indéniablement un morceau unique, le musicien avait préféré laisser de côté le fait-maison pour enregistrer sa dernière composition en studio. Après s’être introduit à Abbey Road sous un faux nom, il avait enregistré le morceau presque entièrement seul. S’il jouait de tous les instruments et mixait les pistes lui-même, Linda avait néanmoins ajouté quelques harmonies. « On s’est beaucoup amusés, » confiait-il à l’époque. « On avait décidé de garder ce qu’on faisait secret. C’était parfait. »

« Maybe I’m Amazed » est le joyau d’un McCartney sorti plusieurs semaines avant le film Let It Be. Malgré une large diffusion en radio, il n’a étonnamment jamais été pressé en vinyle. Une version live enregistré lors de la tournée Wings Over America s’est néanmoins hissée jusqu’au Top 10 en 1997. Bien que McCartney ait atteint les sommets dans les années et les décennies qui ont suivis, ce premier triomphe demeure sa marque de fabrique. Bien que sous-estimé, il s’agit d’une entrée en matière parfaite pour une seconde carrière remarquable.

2 – « Band on the Run », Band on the Run, 1973

Si quelqu’un se demandait encore si McCartney pouvait s’en sortir en solo, « Band on the Run » a mis les choses au clair une bonne fois pour toutes. Il s’agit d’un morceau audacieusement complexe à propos d’une évasion rocambolesque dans laquelle McCartney fait entrevoir son souhait d’échapper à son passé. (George Harrison avait laissé échapper la phrase « If we ever get out of here » lors d’une réunion.) Mais même lorsque McCartney chante le conflit et l’enfermement, il se laisse emporter par le contentement. Le monde entier avait alors décidé de s’enfuir avec lui et avait propulsé la chanson au sommet des charts américains. Plus personne ne le prendrait pour un poids léger à l’avenir.

3 – « Too Many People », Ram, 1971

A la sortie de son deuxième album solo, McCartney avait toutes les raisons d’être furieux : son groupe adoré s’était dissout et tout le monde le lui reprochait. Il laissait alors libre cours à sa frustration dans un morceau surprenamment mordant, enregistré à New York. « Voilà ta première erreur / Prendre tout ce que tu avais et le briser, » chantait-il, pointant John Lennon du doigt. « Il s’était fait donneur de leçons et ça m’énervait, » déclarait McCartney en 1984. La mélodie incroyablement douce de « Too Many People » est néanmoins la preuve que le chanteur pouvait se servir à sa guise de son charme comme d’une arme. « Ce ne sont que quelques piques, » déclarait-il en 2001. « Ça n’a rien de bien méchant. »

4 – « Live and Let Die », Single, 1973

Un des morceaux les plus loufoques de Wings figure sur la bande-originale de la huitième aventure de James Bond, Vivre et laisser mourir. Producteur historique des Beatles, George Martin avait été chargé de sa composition. Artisan d’une composition vertigineuse, il l’avait assorti d’arrangements reggae pour faire retomber la pression. Bien que certains membres de la presse avaient critiqué le choix de Macca de se frotter à 007, « Live and Let Die » est devenu l’un de ses plus grands succès tant au Royaume-Unis qu’aux Etats-Unis. Encore aujourd’hui, c’est le point d’orgue de concerts gigantesques à grand renfort d’effets pyrotechniques renversants.

5 – « Uncle Albert/Admiral Halsey », Ram, 1971

Le premier numéro un de McCartney est un tour de force. Amas de chansons et d’effets sonores d’une durée inférieure à cinq minutes, ses multiples transitions le font paraître bien plus long. Inspiré par l’oncle de McCartney, Albert Kendall, et orchestré par George Martin et le Philarmonique de New York, il n’était pas sans rappeler les Beatles. Même Lennon, qui avait détesté Ram, avait dû admettre qu’il appréciait la chanson.

6 – « Jet », Band on the Run, 1973

Dans les années 70, tous les rockeurs se devaient de se mesurer à David Bowie. Mais seul McCartney pouvait le surpasser avec un tube comme celui-ci. Enregistré au Nigéria, « Jet » s’ouvre sur des cuivres majestueux avant de laisser place à des guitares glam rock, des synthés pleins de charme et un refrain plus qu’efficace. Il s’avère que « Jet » était le nom d’un des chiens de McCartney. De jeux de mots sur la conquête spatial au droit de vote des femmes, le reste des paroles est plus obscur. « Je ne sais pas vraiment quoi en dire, » confiait-il. « C’était plutôt fun, donc ça m’a plu. »

7 – « Junk », McCartney, 1970

« Junk » aurait tout d’abord dû se trouver sur le White Album. Une démo figure d’ailleurs sur l’Anthology 3. Pourtant, il a davantage sa place sur le premier album solo de McCartney. Un jeune homme contemple la vitrine d’un brocanteur et s’imagine vieux et oublié de tous. L’ambition de McCartney de faire ce qu’il lui chante est palpable. « J’aime assez l’idée de ne rien retravailler, » déclarait-il à RS en 1974. « On entend la porte s’ouvrir et quelques ricanements à l’arrière-plan. »

8 – « Hi, Hi, Hi », Single, 1972

McCartney a savamment entaché son image proprette avec cette célébration sans gêne du sexe, de la drogue et des guitares. Le single a été interdit de diffusion par la BBC. Même Macca ne pouvait pas s’en tirer en invitant des jeunes femmes à « s’étendre sur le lit, prêtes à accueillir un gros fusil. » McCartney protestera pourtant, répliquant que la BBC a confondu « body gun » et « polygon ». Ça change tout ! Selon lui, le refrain « We’re gonna get hi, hi, hi » pouvait d’ailleurs être envisagé au premier degré. Personne ne l’a cru, mais ça demeure une des chansons de Macca les plus appréciées.

9 – « Another Day », Single, 1971

McCartney écrivait tellement de bonnes chansons à la fin des Sixties qu’un tube de cette qualité pouvait rester dans ses placards pendant des années. Bien qu’il l’ait joué une première fois alors que les Beatles enregistraient Let It Be, il n’a jamais été enregistré avant que Macca commence à travailler sur Ram. Il avait alors décidé d’en faire son tout premier single solo. Classique parmi les classiques, le batteur Denny Seiwell l’avait d’ailleurs surnommé la « Eleanor Rigby de New York City, » les harmonies de Linda contribuant à donner vie à sa jeune protagoniste.

10 – « Venus and Mars » / « Rock Show », Venus and Mars, 1975

« L’objectif de Wings était d’être sur les routes, » confiait McCartney à Rolling Stone en 1976. « On est juste un groupe, pas un mythe. » Rien de ce que le chanteur faisait à l’époque ne passait pourtant inaperçu. Le diptyque par lequel le groupe entamait chaque concert de la tournée Wings Over America était quelque chose ! De cette introduction acoustique à ce crescendo rugissant, « Venus and Mars » / « Rock Show » casse tout sur son passage, y compris une des plus grandes stars de l’époque, Jimmy Page.

Par Jon Dolan, Simon Vozick-Levinson, Will Hermes, Rob Sheffield
Traduit et adapté par Jessica Saval